El anhelo detrás del mensaje Unknownjueves, 15 de mayo de 2014 0 comentarios

"El anhelo detrás del mensaje" ilustración vectorial 900 x 600 px

"Golpeavisa", se conforma de un grupo de diseñadores profesionales con más de diez años de experiencia. Este grupo labora en un pequeño estudio en donde su trabajo se retroalimenta de música, películas, fútbol, series de TV, historias, entre otras cosas.

Este grupo formo un blog al que llamaron "Blogolpeavisa" en el cual invitaban a diseñadores, ilustradores y artistas plásticos a una sencilla actividad de ilustrar semanalmente. A esto se le llamó "viernes de ilustración", como su nombre lo dice, cada viernes se proponía un tema y se subían las obras durante toda la semana.

Poco después esta actividad se comenzó a realizar mensualmente. Yo llegué a participar varias veces, me agradaba muchísimo ver el trabajo de otras personas así como también me gustaba el hecho de que alguien más miraba mi trabajo, sin embargo, lo bueno dura poco.

El ultimo tema propuesto fue "Final", y el hecho de que se trataba de la ultima ilustración me hacia sentir algo inconforme. Fue entonces cuando me imagine haciendo berrinche como los niños, tratando de dar el mensaje de que se repitiera la actividad una vez más. El resultado en su momento me pareció gracioso. Una ilustración simple y clara donde me plasmé a mi mismo pidiendo que no terminara lo inevitable.

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Autoretrato Unknownjueves, 8 de mayo de 2014 0 comentarios

Autoretrato. Pluma bick sobre sketch 17 x 25 cm

El Hiperrealismo, también conocido como Superrealismo, Realismo Fotográfico y Fotorrealismo, es un movimiento pictórico que nació en la época de los años 60, cuyas técnicas aspiran a una precisión casi fotográfica.
Esta corriente busca mantener en la figura pictórica una conexión con la visión fotográfica del encuadre y la representación de la escena.

El mérito al tratar de conseguir una imagen así consiste en contener la paciencia y dedicarle tiempo a los más pequeños e insignificantes detalles; dejar pasar por alto texturas, luces, sombras, entre otros puntos, marcaría la diferencia entre una imagen casi fotográfica y un dibujo que pretende asemejarse a la realidad. Lograrlo no es nada fácil, solo la constancia en la practica podrá dirigirnos a resultados de gran impacto.

Aún trato de aumentar mi nivel con el fin de lograr imágenes Hiperrealistas de mayor calidad.

Se que la perfección es inalcanzable, pero ésta es una de mis pasiones mas grandes

y no dejaré de practicar jamás.

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Herakut Unknownmartes, 6 de mayo de 2014 0 comentarios

Herakut

Colectivo de origen alemán formado por dos Artistas:

Hera, de Frankfurt y Akut, de Erfurt.

Empezaron a pintar en conjunto después de conocerse en el Festival Urbano de Artes de Sevilla, en 2004. Antes de eso, sólo sabían del trabajo de cada uno por publicaciones en revistas de arte urbano y grafiti. A pesar de que trabajaban juntos y ambos se especializan en pintar personajes, sus estilos son muy diferentes en cuanto a técnica, motivo por el cuál se llegan a complementar.

Se dice que el contenido visual y los textos de su obra son una expresión intuitiva del estado mental en la que se ubica su generación. Ellos se ven a sí mismos como parte de un movimiento cultural general, sin ningún tipo de barrera artísticas.

Akut empezó haciendo grafiti a los 14 años, rodeado de otras culturas, influenciado por el hip hop y grafiti sin una finalidad artística.

Hera comenzó a pintar paredes en 2001.

Sintió la necesidad de trabajar dimensiones más grandes desde el inicio. En su trabajo se persibe una fuerte influencia de la técnica de años de estricta educación artística que recibió desde muy pequeña. Hoy día, Hera le da un sentido más espontáneo a sus pinturas a través de la libertad que le permite este formato.

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30 - 04 Unknownjueves, 1 de mayo de 2014 0 comentarios

"30 - 04" 800 x 600 px

Conmemorativo al día del niño, me animé a realizar esta ilustración expresando a amigos y a mis seres más cercanos que no debemos olvidarnos de la gran sensación de ser niños. La vida diaria, algunas veces, nos agobia tanto que perdemos el sentido y la razón de por que tomamos acción de las cosas. 

Tiempo atrás, estuve laborando en un lugar bastante tedioso y rutinario; esto me transformó en una persona mas amargada de lo normal y olvide por completo la razón por la cual me encontraba ahí: adquirir poder adquisitivo para lograr sacar deudas, inscribirme a más talleres, comprar materiales, conseguir libros, etc... pero lo peor, olvide el compromiso de tener una vida plena y hacer feliz a mi pareja. Irónicamente en este empleo todo me pasó al revés.

Mas allá de la sobrevalorada explicación de "no debemos dejar de ser niños", quisiera decir que deberíamos conservar el pensamiento de un niño. A esto me refiero a 3 puntos:

- No debemos olvidar ese gusto de aprender cosas nuevas, si a esto le agregamos que pudiéramos conservar la sencillez y humildad de admitir que hay gente mejor que nosotros, tal vez el mundo sería revolucionariamente distinto.

- Olvidar la pena y prejuicios, ya que esto simplemente nos limita intentar cosas nuevas y todos sabemos que de los errores siempre se aprende algo.

- No dejar de divertirse de una manera simple. Los niños siempre encuentran la forma de divertirse con palos y piedras. Esto refleja que no es necesario gastar tanto dinero, tiempo y esfuerzo para simplemente pasar un buen rato tanto con amigos como con seres queridos.

Estas no son reglas universales, solamente expreso mi humilde punto de vista, pero en lo personal, creo que si hubiera ordenado mis prioridades y si hubiera tenido tiempo para reflexionarlo antes no hubiera perdido tanto por tan poco.

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Mark Ryden Unknownmartes, 29 de abril de 2014 0 comentarios

Mark Ryden

Nació el 20 de enero de 1963 en Oregon, Estados Unidos. Hijo de Barbara y Keith Ryden, y se crío en el sur de California, en variadas ciudades. Estudió ilustración y se graduó del Art Center College of Design en Pasadena, en el año 1987. Su debut en una exposición solista fue con la saga “The meat show”, y se realizó en Pasadena en 1998.

A mediados de los años 80, Ryden saltó a la fama o por lo menos llamó la atención de la gente que seguía revistas como Rolling Stone. Realizó la tapa del libro “Desperation” de Stephen King, algunos afiches para películas de Tim burton y el arte de portada del disco “Dangerous” de Michael Jackson”, entre otros.

Entre sus clientes mas fieles se encuentran Robert DeNiro, Bjork, Christina Ricci, Chris Carter (creador de X-Files), Bridget Fonda y Leo DiCaprio entre otros. Retrató (aparte de a Ricci y a DiCaprio) a Jimmi Hendrix y Nirvana, además de a Barbie y los mismísimos Teletubbies. Estos clientes, llegan a pagar mas de 600 mil dólares por un cuadro que no suele superar el metro y hasta 20 mil por miniaturas de 10 centímetros.

En sus cuadros se ven mezclas de juguetes e insectos y son protagonizadas por niños y niñas de ojos saltones, con una mirada tan serena como inquietante. Su mezcla de la perversidad con la sensualidad y la inocencia en sus lienzos hacen

de su trabajo algo

increible.

Actualmente pinta desde cuadros enormes hasta pequeños trabajos en papel en blanco y negro. En una de las últimas exposiciones, realizada en 2007, su obra “The Tree of Life” se vendió por 800 mil dólares al Museo de arte contemporáneo de Los Ángeles.

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Deathbook Unknownmiércoles, 23 de abril de 2014 0 comentarios

"Deathbook" cartel 90 x 60 cm

En el museo Mexicano del Diseño, (MUMEDI) cada año se hace una convocatoria de un concurso de cartel. Este se le llama "A la muerte con una sonrisa" y las reglas para hacer tu propuesta son simples: utilizar ilustración digital, ilustración tradicional, pintura, fotografía o cualquier tipo de representación gráfica que tenga que ver con el titulo.

Este cartel también entró a concursar junto con el cartel "Warning" publicado en un post anterior.

En este caso, quise atribuirle a la muerte la característica humana de tener necesidad de formar parte de las redes sociales en esta época moderna, en donde simplemente puede realizar las funciones de dejar vivir o dejar morir a aquella persona que quisiera agregar en el buscador. Esta propuesta es meramente ilustración vectorial. Me temo que no llegó a los finalistas debido a ocupar colores muy institucionales con la posibilidad de hacer publicidad... pero, pareció buena idea mostrarlo como experiencia de que algunas veces, a pesar de que una idea es buena, la técnica también debe de ser la indicada.

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Jorge Alderete Unknownmartes, 15 de abril de 2014 0 comentarios

Jorge Alderete

Nacido argentina, en el año de 1971. Jorge Alderete a sus 18 años viajó a La Plata, en la provincia de Buenos Aires, para estudiar Diseño en Comunicación Visual en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata.

Su trabajo ha sido publicado en varios libros internacionales como "Illustration Now" y "Latin American Graphic Design" ambos de la editorial Taschen, "Pictoplasma", "Los logos series" entre otros.

Su obra ha sido expuesta en distintas galerías del mundo. En México su trabajo se ha hecho presente en la galería "José María Velasco", en el "Museo de la Ciudad" y también en el "Museo de Arte Moderno".

En su trayectoria como diseñador e ilustrador, también ha colaborado en trabajos de animación de forma independiente para varias televisoras como MTV, Nickelodeon, Canal Fox y Once TV.

Durante su carrera ha diseñado aproximadamente 80 diseños para discos de bandas procedentes de distintas partes del mundo, entre ellos se encuentran "Los Fabulosos Cadillacs", "Lost Acapulco", "Twin Tones", "Los Explosivos" entre otros.

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A la muerte con una sonrisa Unknownmiércoles, 9 de abril de 2014 0 comentarios

"Warning" cartel 90 x 60 cm

En el museo Mexicano del Diseño, (MUMEDI) cada año se hace una convocatoria de un concurso de cartel. Este se le llama "A la muerte con una sonrisa" y las reglas para hacer tu propuesta son simples: utilizar ilustración digital, ilustración tradicional, pintura, fotografía o cualquier tipo de representación gráfica que tenga que ver con el titulo.

Este concurso refleja el momento en el cual los participantes analizan chistes, estilos, ideologías entre otras cosas relacionadas al folclor mexicano para presentar una obra mas atinada al tema propuesto que se relaciona al día de muertos.
En este caso, me pareció buena idea representar a la muerte como un asesino serial, un bandido suelto al que debemos tenerle mucha precaución ya que es el único capaz de tirar a matar, simulando uno de esos carteles antiguos de viejo oeste.

Al tener suficientes propuestas de cartel, los jueces realizan una larga evaluación para recalcar a los mejores diseños y así presentar a los 3 primeros lugares con sus respectivos premios.
Este cartel no llegó a quedar dentro de los finalistas, pero el concurso como tal me dio mucho mas de lo que le invertí al cartel. Me di cuenta que hay gente muy talentosa en México y que se debe trabajar el triple para ser competitivo, que también el estilo y la técnica no lo es todo; Si tu idea es buena y conlleva un concepto mas profundo, puede llegar a un impacto mayor por mas minimalista y sencillo que sea el cartel, y por ultimo, no debemos tratar de ganar todos los concursos, mas bien, no debemos dejar de crear cosas nuevas.

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Sego Unknownmartes, 8 de abril de 2014 0 comentarios

Sego

Creador de graffiti nacido en México DF. Siempre ha tenido como prioridad desarrollar su trabajo en los muros de las calles, algunas de ellas en la ciudad de México , París Buenos Aires y La Habana en Cuba por nombrar algunas, pero también ha expuesto en galerías de Oaxaca y Guadalajara.



Tras cumplir una década de trayectoria, ha trabajado para marcas muy conocidas y representado a México en festivales internacionales. Su trabajo esta recientemente publicado en varios libros Internacionales como Street Skechbook, Graffiti Planet, Belio, 30 Back tho the roots, y más.

Con un estilo muy particular, su trabajo va desde las formas orgánicas y criaturas de fantasía que circundan su propio mundo, donde se nota claramente su inspiración animal y vegetal entre otros temas, esto tiene que ver con su niñez cuando su familia tuvo que mudarse a la zona del Istmo de Tehuantepec, Oaxaca , una zona selvática donde el estaba en contacto directo con la naturaleza.

http://segoyovbal.blogspot.mx/



 

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Un bocetillo Unknownjueves, 3 de abril de 2014 0 comentarios

En mis tiempos libres, fuera de los pendientes y otras presiones, es muy frecuente que realice cosas como esta.

Me gusta mucho alterar la forma de algunos objetos y trabajar en las luces y sombras para asemejar un poco a la realidad.

Desde luego, el boceto tiene que ver con el estilo que he tratado de ir desarrollando.

En la temporada en la que dibujaba objetos de la vida diaria, se me ocurrió darle un giro al trabajo para hacerlo mas complejo y entretenido para mi. Creo que cualquiera puede dibujar un lápiz, pero, ¿de que atributos dotarias a un lápiz para que cualquiera que lo mire sepa que es un dibujo hecho por ti?.

Busca nuevas opciones, altera las reglas establecidas y tendrás mayor impacto en tus dibujos.

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Gabriel Martínez Meave Unknownmartes, 1 de abril de 2014 0 comentarios

Gabriel Martínez Meave

Nació en la Ciudad de México en 1972, es ilustrador, calígrafo, tipógrafo y diseñador gráfico por la Universidad Iberoamericana.
Su pasión por las letras lo llevó a estudiar de manera autodidacta tipografía y caligrafía, actualmente es profesor de la Universidad Anáhuac.

Ha participado en varios congresos y conferencia a nivel internacional, algunos países son E.U.A., Brasil, España y Canadá. Entre sus clientes se encuentran Cervecería Moctezúma, Presidente, Mexicana de Aviación y Camel.

Sus cuadernos de bocetos están llenas de mundos oníricos que más tarde pasa a ilustraciones que bien podrían salir de cuentos, de objetos antiguos como cartas de tarot, contextos intrigantes, algunos con unos pocos colores que no dejan de impactar a la vista y un poco de ironía escondida en sus trabajos.

Su tipografía, es una mezcla de caligráfica, gótica y de fantasía casi sacada de manuscritos del medievo, renacimiento y el mundo prehispánico que con la exacta selección de colores dan impresiones asombrosas.

Tanto sus ilustraciones como su tipografía tienen esa sazón mexicana. Basta mencionar algunos nombres de familias tipográficas creadas por Kimera; Aztlán, Mexica y Lagarto para darnos idea de la gran influencia que ejercen los valores estéticos de nuestro pueblo.

www.meave.org

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Primitivo Unknownjueves, 27 de marzo de 2014 0 comentarios

"Primitivo" 900 x 600 px

El tema se propuso con unos amigos ilustradores.

La intención era que cada quien representara la palabra primitivo con su propio estilo.

La flecha es un símbolo de la dirección, señala y muestra donde es el camino.

La razón por la cual hago estas flechas que van a todas partes de manera irregular es por que pienso que en la vida se nos presentan muchos caminos, algunos hacia la grandeza, otros hacia el fracaso, pero a veces nuestro limitado criterio no nos permite ver cual es el correcto. El camino que conduce a la prosperidad es impredecible y la incertidumbre de saber si estoy en el camino correcto alberga dentro de mi todo el tiempo. Este estigma se ha reflejado en algunas de mis ilustraciones. En este caso, me pareció buena idea ilustrar un mammut compuesto por estas flechas de direcciones irregulares.

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Seher One Unknownmartes, 25 de marzo de 2014 0 comentarios

Seher One

Nacido en la Ciudad de México. Seher One creció admirando las pintas en las paredes de las calles capitalinas, intentando decodificarlas. 

A la edad de dieciséis años tuvo sus primeras experiencias con el graffiti; lo que lo llevó a descubrir e interesarse en el Arte Urbano a través de publicaciones impresas y otros medios de difusión.Luego de su primera formación en las calles de la capital mexicana, decide estudiar la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (UNAM), especializándose en Ilustración.

Seher One es un artista mexicano cuyo trabajo ha comenzado a ser reconocido a nivel internacional, vislumbrándose como uno de los artistas urbanos mexicanos mas prometedores. Ha participado en numerosas exposiciones en México y sus ilustraciones han aparecido en portadas de revistas como Canvas, Dibujarte, Migala y Nylon Guys; así como en las páginas de las revistas Loop y Latina Magazine. Hoy en día la obra de Seher One decora los muros de diferentes exteriores y áreas privadas ubicados en distintos puntos de la República Mexicana. 

feed://seherone.blogspot.com/feeds/posts/default

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Will Barras Unknownmartes, 18 de marzo de 2014 0 comentarios

Will Barras es uno de los miembros mas originales del colectivo “Scrawl”.

Reconocido por su camino al éxito con su serie “Hip Hop Don't Stop”.

Se dice que este artista francés es uno de los que es casi imposible de copiar por su gran trayectoria y trazos caóticos. Con los años, Will ha desarrollado su distintivo estilo a partir del hip hop, eventos de patinadores y de bmx.

En algún momento de su vida, él pasó por un período de influencia por los rodeos, en algunas obras se ven reflejados jinetes encima de toros furiosos. Esto se desarrolló en un interés por las escenas de cacería frente a puestas de sol con colores extraños. Desde entonces, su trabajo se ha vuelto cada vez más psicodélico en sus murales.

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Pruebas de la existencia de un hombre Unknownmiércoles, 12 de marzo de 2014 0 comentarios

"Venom" Acrílico sobre madera. 40 x 18 cada marco

En esta actividad quise plasmar a uno de tantos de mis personajes favoritos del universo de Marvel cómics "Venom". En aquel momento el trabajo de Roy Lichtenstein no dejaba de rondar por mi cabeza y me motivó a sacar algo propio.

El proceso de esta obra fue bastante apasionante y meticuloso. Hice lo posible por cuidar los detalles para una optima presentación. La imagen fue sacada de una serie del cómic "Maximum Carnage" uno de los crossover al que le tengo gran valor sentimental. 

El mensaje que pronuncia "Venom" en el primer marco, en realidad no es completamente suyo.

Pienso que una persona existe en este plano por la prueba de que se le ha visto físicamente así como sus acciones o las consecuencias de ellas. Si un hombre es despojado de su mente y de sus obras hechas en vida es entonces cuando no habrá ninguna esencia de él. Es en ese momento cuando la persona habrá dejado de existir completamente.

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Icono del Arte Pop Unknownmartes, 11 de marzo de 2014 0 comentarios

Roy Linchtenstein

Pintor de origen norteamericano nacido en la ciudad de Nueva York, en el año de 1923.
Su serie más famosa apareció en los 60's, cuando presentó una serie de piezas que partían de imágenes retomadas de las composiciones e ilustraciones del universo del cómic, presentadas en lienzos de gran tamaño sobre una textura de puntos.

La intención de Roy se dice que era quitar la intención de seguir la historieta como tal y enaltecer simplemente la imagen como un elemento de decoración, haciendo representaciones de viñetas cada vez mas abstractas, ya que quitaba colores para representar solo los primarios: amarillo, rojo y azul.

Su estilo es considerado como uno de los mas grandes representantes del arte pop. Este artista se hacia valer de herramientas y materiales poco convencionales para lograr plasmar texturas y lineas lo suficientemente rectas y precisas que incluso es difícil notar que esto fue hecho a mano.


De entre todas sus obras, de gran formato, cabe destacar "Takka, Takka" (1962) y el óleo
"Nos elevamos lentamente" (1964), donde se aprecia el gran dominio de trazo de la malla de puntos muy característico de la impresión de un cómic.

"Whaam!", 1963

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Cambio de fondo Unknownjueves, 6 de marzo de 2014 0 comentarios

"Inmortal" Boceto de pintura acrílica sobre cartulina negra

Acostumbrado a trabajar sobre la habitual y cotidiana hoja blanca tamaño carta, hace algunos años un profesor de ilustración me recomendó que le diera un giro a eso para obtener resultados más interesantes. "No está mal... pero, ¿que tal se vería si lo haces sobre un papel color negro?". Las palabras de mi maestro en ese momento cambiaron algo dentro de mi cabeza. Por absurdo que parezca jamás se me había ocurrido algo así. La propuesta era tan enigmática que incluso opté por encuadernar unos pliegos de cartulina negra cortados casi de tamaño oficio antes de trazar algo.

Solamente hasta tener el cuaderno negro listo fue cuando comencé a hacer mis pruebas.

Es impresionante la gran ayuda que te puede generar una buena selección de fondo en tu ilustración. Este ejercicio me abrió el panorama a otro tipo de superficies tratando de alejarme de la tradicional hoja blanca tamaño carta. Bien o mal, me encuentro muy agradecido por esos consejos, sobre todo por optimizar la búsqueda de materiales nuevos que contribuyen al impacto de espectador.

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45rpm Unknownlunes, 3 de marzo de 2014 0 comentarios

45rpm

Miembro del "What Colective" que se dice representa a la más vibrante obra artística de la ciudad de Bristol, Reino Unido.

La superficie donde trabaja sus bocetos son normalmente objetos que va recolectando día a día en cualquier lado que se encuentre.

Manuales, diccionarios, boletos, tickets, periódicos entre otros, son algunos materiales que utilizan como base para plasmar sus personajes hechos con esos contornos gruesos muy característicos de las caricaturas. Esa combinación de imagen sombría y ordenada de un manual o periódico con los contornos gruesos y abundantes manchas en plasta generan un resultado bastante interesante.

Normalmente su trabajo es identificado por un ave  representado de forma abstracta (sin mucho detalle) que normalmente es plasmado en diferentes colores según el gusto del artista urbano. Pienso que el mérito de 45rpm recae en sus bocetos, ya que, muy rara vez realiza cambios en su obra final y procura plasmar una copia exacta de su boceto. Casi como si quisiera terminar su trabajo desde la planeación.

El mismo afirma:

"i take just as much time on a sketchbook piece as i do on a canvas for a show"

aclarando que se toma el mismo tiempo creando algo en un pedazo cuaderno de dibujo como en un lienzo para un evento especial.

Además, también nos enseña que no es necesario tener un cuaderno de bocetos caro para poder desarrollar tus habilidades artísticas. Es inteligente sacar provecho de superficies que los demás consideran como basura y optimizarlos para un fin artístico ahorrándose mucho dinero.

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La maquinas sensibles Unknownmiércoles, 26 de febrero de 2014 0 comentarios

"Tecnología" 900 x 600 px

Cuando hice esta ilustración acababa de ver la película de yo robot, nada mejor para la inspiración en este tema. Una de las cosas que pude notar es, que a pesar de que las maquinas en la actualidad sean considerablemente avanzadas, carecen de libertad, raciocinio, voluntad, entre otras virtudes que posee el hombre. A pesar de eso, no es bueno subestimar el poder y capacidades de la tecnología moderna y de lo que está por venir.

El pequeño robot de la imagen posee dos latas de pintura y una gorra, mostrando un aspecto humano, como si se tratase de un joven graffitero o artista urbano. Si en algún momento las maquinas tuvieran la  capacidad de sentir empatía, adquirir o desarrollar actitudes, deseos o anhelos, entonces estaremos en serios problemas. Lo que nos hace superiores a ellas es nuestro criterio y libre albedrío así como la capacidad de desarrollar actividades humanísticas muy apegadas a las capacidades sensitivas y de interpretación. Si una maquina pudiera pintar una obra, crear música, escribir un poema con la misma pasión y capacidades sensitivas de un hombre, creo que entonces ya habremos sido superados por un ente inorgánico.

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Personajes Unknownmartes, 25 de febrero de 2014 0 comentarios

Personaje Ficticio.

Al momento de crear mascotas, criaturas o personajes inexistentes con expresiones peculiares, se tiene la ligera tendencia a dibujar objetos o animales con expresiones o características físicas humanas. Cuando esto pasa estamos creando una prosopopeya, y a decir verdad, es bastante divertido.

Según algunos diccionarios y textos de semiótica, definen prosopopeya como una figura retórica que consiste en atribuir cualidades o acciones propias de seres humanos a animales, objetos o ideas abstractas.

En pocas palabras, en el ámbito visual, cuando creamos personajes animales u objetos con boca, brazos, ojos, entre otras cosas, estamos haciendo una prosopopeya, cosa que podemos ver muy frecuentemente en dibujos animados, cómics, animes, etc. Los Thundercats, las legendarias Tortugas Ninja y algunos personajes de Warner Bros o Walt Disney son buenos ejemplos.

Puede ser un buen método para expresar ideas o mensajes fuertes, ya que ayudan a aligerar un poco el impacto y lo vuelven entretenido. "Evil icecream" es una de mis "mafufadas" que decidí plasmar de inicio en una hoja de papel. Las aplicaciones de personajes similares en stickers, pines, toys, entre otros, pueden llegar a ser muy atractivas para el publico.

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M. C. Escher. Explorador de contradicciones en la perspectiva. Unknownlunes, 17 de febrero de 2014 0 comentarios

Maurits Cornelius Escher

Anteriormente había mencionado la influencia que tiene este dibujante y artista holandés mi trabajo. Escher, tras estudiar el grabado sobre linóleo en Arnhem, entre 1919 y 1922 estudió en la Escuela de Arquitectura y Diseño Ornamental de Haarlem. He ahí una razón de su estilo tan preciso y arquitectónico.


En 1922 se trasladó a Italia, donde vivió por un tiempo. Viajó por Suiza y Bélgica, hasta establecerse definitivamente en Baarn, una pequeña localidad holandesa en el año de 1941.

Se dice que a esas alturas, la fama del artista ya se había extendido por todo el mundo, por esa razón, cuando en 1954 decidió exponer sus trabajos más recientes en Washington, logró vender más de cien grabados que había seleccionado para la ocasión, acto verdaderamente difícil de lograr.

En su camino por desarrollar su estilo, Escher comenzó a relacionarse con dibujantes técnicos, arquitectos y teóricos de las matemáticas. Con ellos, reconocía identificarse mejor que con la práctica de los artistas plásticos. Por lo tanto, no es de sorprenderse que, en 1958, Escher llegó a plasmar por escritos algunos de sus principios teóricos.

La obra de Escher, caracterizada pues por el estudio detallado de los efectos ópticos y del motivo decorativo, constituye una de las más originales del siglo pasado. Éste buscaba las contradicciones de la perspectiva tradicional, creando entornos e imágenes imposibles.

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